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Highscores Caos calmo Paolo Buonvino (Radiofandango) Non impazzano i Radiohead, come potrebbe aspettarsi chi ha letto il libro di Veronesi da cui Caos calmo è tratto. Nel soundtrack del film di Grimaldi la band compare soltanto con “Pyramid Song” ed è circondata da un pungo di brani di repertorio di tutto rispetto (“Your Ex-Lover Is Dead” degli Stars e “Cigarettes and Chocolate Milk” di Rufus Wainwright). Contributo d’eccezione anche da parte di Ivano Fossati, con l’inedita “L’amore trasparente”, scritta appositamente per il film. Come le musiche dell’ancora una volta all’altezza Paolo Buonvino, chiamato ad una musicazione non facile da un regista dichiaratamente poco avvezzo ai compositori specializzati. Lo spartito, in empatia stretta con il difficile percorso psicologico del protagonista, ripropone lo scandaglio sottocutaneo e viscerale del compositore, con sprazzi di astrattismo che rimandano a Romanzo criminale. Dall’impetuoso assolo di percussioni di “Intro” un viaggio verso la luce fatto di accrescimento strumentale e definizione melodica, fino alla rigogliosa apertura minimalista di “Jolanda e la neve”. la Morte ha fatto l’uovo Bruno Maderna (Fin de Siècle Media) Torna a risuonare di tutta la sua importanza, la sua diversità, il suo coraggio anticonvenzionale una delle colonne musicali più significative e misconosciute della cinematografia nazionale, grazie alla svedese Fin de Siècle. Pietra miliare dell’ingerenza dell’avanguardia storica nel panorama della musica da film italiana, una delle rare incursioni di Bruno Maderna nel medium innervata del complesso reticolo di significazione che un esponente eccellente della scuola postweberniana è stato capace di instillare in una storia di alienazione sociale e sentimentale. Tanto il film di Giulio Questi è anomalo nel suo svettare dai canoni del giallo di fine anni ’60 pur restandovi ancorato (John Bender, nelle note di copertina, ricorda come la pellicola patrocinò il movimento di scoperta del cinema di genere italiano oltreoceano) così la musica si accosta alle immagini ma non enfatizza, non integra il racconto, non sottolinea. Andando ben oltre il facile asincronismo (le scene erotiche messe in parallelo alla voce solista che non canta ma si compiace tendono piuttosto verso un certo trattamento godardiano) Maderna è fuori fase perché avanti. Parte dalla fine, dal senso spaventoso di deriva umana su cui il testo risolve e commenta col senno di poi in una dimensione di premonizione cosciente attualizzata in una musica che non può più essere melodia o meccanismo tonale - neanche sopra una scena di intimità - perché già filtrata, decostruita e ricostruita come il ricordo di un sentimento fallimentare. Aspramente dissonante, politonale e poliritmica su impianti dodecafonici, con picchi di puntillismo estremo, la musica de la Morte ha fatto l’uovo è emotivamente apolide in un racconto che ha già vissuto; anempatica nei confronti di una vicenda che ha compreso profondamente e il suo anacronismo d’approccio condivide la lucida verità insita nel controsenso agghiacciante del titolo. Incorruttibile, l’ascolto su disco dello score può disorientare, magari farsi repulsivo, oltremodo inasprito dall’aggiunta di 10 estratti finora rimasti inediti. Segno che dal 1968 ad oggi la partitura non ha perso la sua validità. On Screen  Ultimi scampoli dell’intensissimo
2007 di James Newton Howard. Per the Water Horse (Sony
Classical) - in realtà uno dei primi film musicati dal compositore
lo scorso anno - un commento puntualissimo, nei confronti del girato
tanto quanto in risposta alle aspettative di una collaudata ambientazione
irlandese. Mano sicura, scritture impeccabili come d’abitudine
per Howard e un ampio tema principale di indubbia eleganza, ma anche
un altro lavoro schiacciato dal professionismo di maniera, come accaduto
per la Guerra di Charlie
Wilson. Il regista Jay Russel, nelle note di copertina, usa Mahler
e Copland come termini di paragone della partitura, confermando ulteriormente
la fisionomia di uno score diligentemente votato allo scoring istituzionale.
Russell plaude anche alle performance dei Chieftains, che Howard integra
per ovvie ragioni di coloritura locale; ma il gruppo ha goduto di coinvolgimenti
cinematografici assai migliori. Del 2007 di Howard ora manca all’appello
soltanto the Great Debaters di Denzel Washington.  A
differenza della sua precedente, convincente immedesimazione nelle partiture
originali delle saghe di Alien e Predator,
così prodighe di retoriche fantascientifiche da permettere al
compositore una vera e propria rielaborazione degli idiomi di Goldsmith,
Silvestri, Horner e Goldenthal, la prova dell’alterno Brian Tyler
per John Rambo (Lions Gate Records)
è un’occasione mancata. Stavolta la scelta è evidentemente
quella del citazionismo omaggiante e invece di lavorare dall’interno,
impadronendosi mimeticamente di un lessico fortemente sedimentato nell’immaginario
musicale tout-court come in Aliens
vs. Predator 2, Tyler lavora in superficie e si confronta timidamente,
se non reverenzialmente, con lo storico tema ideato da Goldsmith per
l’eroe reduce di guerra interpretato da Stallone. Esposizioni di
gran rispetto e frammenti sparsi ad hoc, senza però mai integrare
in modo organico e strutturale approfittando di un’invenzione melodica
tra l’altro capace di flessibilità ragguardevoli. Tyler
piuttosto sceglie la strada personale e inonda lo score di tribalismi
a lui congeniali, stendendo inoltre un secondo tema di fiera impostazione
patriottica. E il problema, fuori dai travestimenti e dalle rivisitazioni,
torna ad essere proprio il suo tratto, nel migliore dei casi ripetitivo
e votato ad un servizio scolastico.
Spiderwick - Le cronache è un bel ritorno alle
sonorità sinfoniche di uno degli autori maggiormente consacrati
negli anni ’80 all’entertainment fantasy. Era già successo
con il Grinch e la
Leggenda di Zorro che James Horner abbandonasse il radicalismo stilistico
della sua maniera moderna - una strada intrapresa dopo la svolta carrierisitca
di Braveheart e che ha portato a maturazione alcune
cifre latenti nel suo passato trascorso hollywoodiano arrivando spesse
volte ad un eccesso formale velleitario. Che si tratti o no di un’altra
sospensione occasionale di questo sovente discutibile approccio alle
immagini, c’è davvero da rallegrarsi per un ritorno così
tonico ad una scrittura orchestrale piena, tematicamente fondata, generosa
di suggestioni e sufficientemente equilibrata tra nuovo e vecchio lessico
horneriano, dove il melodismo lirico di Cocoon e Star
Trek II: L’ira di Kahn convive con i passaggi più
astratti dell’ultima maniera. Il compositore di Titanic
torna insomma a raccontare con cesello anziché a sottintendere
o ad alonare con ampie pennellate, e questo spolvero estetico riporta
con sé anche tutto il retaggio goldsmithiano e williamsiano dei
fasti che furono (tra i molti riferimenti, il clavicembalo caratterizzante
i goblin rimanda prepotentemente al Williams baroccheggiante di Complotto
di famiglia).Off Screen  In
occasione del suo centesimo cd, la feconda Digitmovies delizia i fan
del poliziesco all’italiana con "Italian Police", un
tris di colonne sonore: la Mano spietata della legge
(1973), il Grande racket (1976) e l’Uomo
della strada fa giustizia (1975). Al primo lungometraggio,
interpretato da Philippe Leroy, mise mano con solidissimo mestiere Stelvio
Cipriani, caratterizzando le musiche con un tono particolarmente europeo,
non di rado sfumato in un romanticismo da polar francese. Decisamente
personale e riconoscibilissimo il trattamento dei fratelli De Angelis
per la seconda pellicola: ritmiche che coprono ogni declinazione del
rock filmico di genere, sferzate funk, virate psichedeliche, accenti
prog e una propensione melodica calzante (anche se non memorabile quanto
l’apporto a Roma violenta). Il più immerso
nell’estetica autoctona del filone è però il commento
di Bruno Nicolai per l’ultimo titolo, esemplare della musicalità
“a mano armata” di matrice micalizziana spinta in accelerazione
dai riff incalzanti e dagli ostinato ritmici.
Dal nutrito catalogo di Nicolai la Digitmovies recupera anche uno dei
lavori per l’horror targato Umberto Lenzi, Gatti rossi
in un labirinto di vetro (1974), nell’ambito della collana
“Bruno Nicolai in giallo”, giunta con questo titolo all’ottavo
volume. Senza entrare nella lista delle prove più alte del compositore,
il commento dà la misura dell’impegno medio di un compositore
prolifico - anche per il genere in questione - capace di concedere la
qualità minima anche in un contesto musicale collaudato, così
routinario e formulaico nella sua irrinunciabile adesione al manifesto
d’epoca: pop ballabile, tinte gotiche, orchestra e sezione ritmica
sempre in supporto reciproco e bitematismo di servizio. Notevoli le
costruzioni suspense (“Labirinto”) che evidenziano la capacità
atavica di tirare fuori il meglio dalla ristrettezza d’ensemble.
Pubblicata integralmente, la colonna sonora è accompagnata da
quattro bonus track.
Meno produttivo di Nicolai ma altrettanto affezionato ai generi, Nico
Fidenco ha fatto dell’erotismo libertario uno dei suoi raggi d’azione
cinematografici. Per Blue Jeans (Digitmovies), diretto
da Mario Imperoli nel 1975 e interpretato da un’allora emergente
Gloria Guida, il compositore di Emanuelle Nera calca
musicalmente una storia di prostituzione dai risvolti drammatici. Anche
lui a suo agio con la composizione bitematica, Fidenco verga due motivi
dalla forte cantabilità, non a caso intonati dai Cyan (“Blue
jeans”, “A final step”) su arrangiamento beat. L’approccio
da ballabile pastorale su cui si muove l’orchestra è interessante
soprattutto in considerazione di quanto in quegli anni il cinema abbia
fatto affidamento a quel particolare stile: le numerose comunanze dello
score con il commento di Jack Nietsche per il coevo Qualcuno
volò sul nido del cuculo, ad esempio, non possono che
generare curiosità in merito a quanto la partitura per il film
di Forman possa aver influito sulle scelte di Fidenco. Scelte che restano
comunque indovinate; l’atmosfera provinciale, se non paesana, di
fisarmoniche, zufoli, chitarre e clavicembalo non potrebbe prestarsi
meglio alla storia di scappatelle e complotti su sfondo finto-borghese
messa in scena da Imperoli.
Prosegue il periodo caldo di pubblicazioni trovajoliane. Dopo la tripla
raccolta antologica la Gdm licenzia su un unico cd tre commenti da commedia
sentimentale pruriginosa composti dal maestro negli anni ’60: il
Magnifico cornuto, la Mia signora (1964) e
le Fate (1966). Niente di nuovo sotto il cielo, anzi
tutto già sentito e proprio per questo un ascolto imperdibile
per gli aficionados delle salse lounge, dei vocalizzi ammalianti e conturbanti
(la voce di Edda dell’Orso domina e conferisce il miglior marchio
di riconoscibilità ai lavori), dello shake e del ballabile per
orchestra. Trovajoli, tra i fautori di questa miscela sempre funzionale
ai più disparati lungometraggi ammiccanti, si esibisce anche
al piano mentre in Le fate Titti Bianchi intona un’effervescente
“Maga Magò”. Sforzo
editoriale impressionate quello di Film Score Monthly - soprattutto
per un etichetta specializzata a destinazione collezionistica - che
in collaborazione con la Warner Bros. ha confezionato un Blue Box titanico,
"Superman: The Music", dedicato alla numerosa musica applicata
alle gesta del capostipite dei supereroi. L’ingente volume musicale
reperito, organizzato e rimasterizzato da FSM conferisce all’operazione
il merito della completezza definitiva. Otto cd, aperti in modalità
fanfaronica con lo score di John Williams per il primo episodio cinematografico,
portato a nuovo lustro da un remastering migliorativo persino della
già esaustiva edizione Rhino a due dischi. Poi i successivi tre
score per gli altrettanti sequel del franchise, affidati a Ken Thorne
e Alexander Courage. L’altrettanto fortunata vita televisiva del
personaggio è rappresentata dalla musiche di Ron Jones per la
serie animata. Ricchissimo il materiale inedito, che riempie autonomamente
anche l’ottavo disco con alternates e source music. Un libro di
160 pagine che analizza la musica e ripercorre i retroscena di scoring
accompagna l’opera, al momento già esaurita nella sua prima
edizione e in corso di ristampa.Morriconiana  Notevole trittico di composizioni
morriconiane quello presentato dalla Fin de Siècle, che raccoglie
in un unico album brani tratti da Teorema di Pasolini
(1968), la Stagione dei sensi di Franciosa (1969) e
Vergogna schifosi (1969) di Severino. Al primo film
appartiene una colonna musicale davvero significativa per l’evoluzione
complessa e combattuta - altamente interessante - della doppia aspirazione
musicale insita nel Morricone di quel focoso periodo professionale:
la convivenza dell’assolutismo concertistico con la retorica narrativa
cinematografica. Assai variegata stilisticamente, la partitura alterna
disinvoltamente momenti di musica concreta (“Fruscio de foglie
verdi”) e deguelli per chitarra a costruzioni atonali tra le più
estreme mai proposte dal compositore romano in ambito filmico. Centro
d’attenzione degli altri due commenti e invece l’uso della
voce quale strumento sempre meritorio di sperimentazioni non comuni
da parte dell’autore - in questo caso molto più per l’effetto
"cantato" che per la manipolazione timbrica. E anche se per
l’ultimo lavoro non si può condividere in pieno l’entusiasmo
nelle note di John Bender, certo se ne riconosce l’importanza quale
precursore di uno stilema a venire destinato a far scuola. Improntato
al sarcasmo e alla farsa invece il soundtrack di Stato interessante
(Gdm), lungometraggio ad episodi affidato alle cure registiche di Sergio
Nasca nel 1977. Un Morricone più leggero, sui sicuri binari del
bossa-nova virtuosistico (“Una bossa a cena”) o nella regalità
del più formale dei valzer (“Un salotto troppo elegante”)
cui non manca però l’inveterato gusto per il gesto ficcante
e lo spazio per la distensione di un tema tipicamente arioso, con note
sussurrate dal caldo flicorno di Oscar Valdambrini. Ma è da notare
anche l’accesa cantilena di “Per l’amore si farà”,
tutt’altro che estranea al girotondo del succitato Vergogna
schifosi. La marcia folcloristica dai colori siculi (“Morale
ipocrita borghese”) fa da contraltare irriverente e getta un modello
che tornerà a riaffacciarsi nella filmografia del musicista,
particolarmente nel tema portante per Stanno tutti bene
di Tornatore.
Altro materiale poi riemerso nella collaborazione tra Morricone e Tornatore
anche nella colonna musicale di Matrimonio con vizietto
(1985), pubblicata da Digitmovies. Per il terzo capitolo della liason
tra Ugo Tognazzi e Michel Serrault un Morricone particolarmente in vena
contemporanea mette mano ad una coppia di canzoni per la voce di Tilda
(“Now It’s Up To Me”, “Ask Me”) dall’arrangiamento
spiccatamente disco - e con tratti a là Moroder. Il sintetizzatore
s’impone anche in una curiosa rilettura del “volo del calabrone”
di Rimsky-Korsakov. Il brano dal destino tornatoriano è “Castelli
di Scozia”, un nobile adagio riarrangiato in seguito dallo stesso
autore per accompagnare uno spot del regista siciliano.25 fotogrammi  Arrivato
in televisione sotto forma di due episodi, il film su Caravaggio
diretto da Angelo Longoni ha beneficiato di un interpretazione sentita
di Alessio Boni nel ruolo del pittore e del disegno fotografico filologico
di Vittorio Storaro. Le musiche composte, orchestrate e dirette da Luis
Bacalov (RaiTrade) si innestano direttamente nella tipologia dei commenti
in costume debitamente redatti nel contesto musicale dell’epoca
di riferimento. Bacalov veste lo score di un coté dalle sfumature
classiche muovendosi tra i chiaroscuri dell’artista protagonista
e alternando vigorosi affreschi sinfonici (“Caravaggio Loves”)
ad intarsiature più raccolte e trattenute (“Casa Nuova”).
Il compositore de Il Postino non rinuncia poi a periodizzare
la partitura con brani per ensemble ridotto di natura spiccatamente
rinascimentale (“Verso Port’Ercole”, “Vano il ricercar”)
per i quali la Czech National Symphony Orchestra è ampliata con
un gruppo di solisti italiani particolarmente evidenti nell’händeliano
“Johnatan’s lute” e in “Del cigno un canto”.
L’accostamento alle immagini è morriconaniano, così
come una certa enfasi nella linea melodica, soprattutto nel tema d’amore
(“Lena Vero amore”). |
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