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Italia, 1975
di Lina Wertmüller, con Giancarlo Giannini, Fernando
Rey, Elena Fiore, Shirley Stoler
Come si può, attraverso la fiction di un lungometraggio, raccontare
l’orrore? Come si fa ad intrappolare una tragedia come l’Olocausto
in un contesto “altro” come la rappresentazione cinematografica?
Anche la scelta documentaristica, massima espressione di adesione alla
realtà ed alla storicità dei fatti, non riesce però
a vanificare la distanza spazio/temporale tra l’accadimento e la
narrazione dell’accadimento stesso. Si può appunto provare
a raccontare, si può tentare di testimoniare ciò che è
stato: Steven Spielberg, con Schindler’s List,
è stato probabilmente l’autore che in questo senso ha partecipato
più di tutti alla tensione verso la narrazione - simpatetica,
non c’è dubbio - di un processo storico/sociale di così
inaudita incomprensibilità. Il suo lungometraggio è probabilmente
l’espressione più alta di come il cinema possa avvicinarsi
e provare a raccontare ciò che è successo, nella maniera
più fedele e sincera possibile consentita ad un mezzo che è
sempre comunque finzione, e che perciò non sarà mai testimone
assoluto dei fatti, in qualsiasi forma esso si presenti.
Per questo forse, invece di raccontare ciò che a nostro avviso
non può essere raccontato, proprio a causa dell’essenza
stessa del mezzo/cinema, che altro non può fare se non mettere
in scena anche la realtà più oggettiva, forse più
che raccontare appunto sarebbe opportuno il tentativo di interpretare:
scegliere una chiave di lettura, un fulcro attraverso il quale provare
a mostrare un possibile significato (si badi bene, “un”, non
“il”) di quello che è stato l’orrore dei campi
di concentramento. E quale lente può essere più appropriata
per affrontare una tale aberrazione se non quella del grottesco? Lina
Wertmüller con Pasqualino Settebellezze compie
l’inaudito esperimento di mettere in mostra il delirio, il caos,
e di restituirne allo spettatore non una forma organizzata e realistica,
ma tutta la forza barocca e cupa di un inferno dantesco. Il percorso
che l’autrice sceglie è quello di un misero e sfigatello
guappo napoletano, che per assecondare il proprio istintivo desiderio
di vita affronta e sguscia tra tutte le peripezie possibili, fino ad
arrivare all’inferno dei lager: dunque farsa, pochade, lazzo comico
alla Pulcinella, e poi ospedali psichiatrici, prigioni, infine campi
di sterminio. Il mezzo attraverso cui il grottesco riesce meglio ad
esprimersi è senza dubbio il contrasto, l’accostamento di
due espressioni contrarie dal cui stridore viene generata energia propulsiva.
Questo è Pasqualino Settebellezze: una farsa
atellana attraverso cui si presentano dolore ed orrore, non comprensibili
a livello razionale e quindi “altri”; in questo caso, non
si può non procedere per accumulo spropositato di informazioni
e dettagli, fino a raggiungere l’overdose sensoriale che porta
alla deformazione. Perciò il film è un susseguirsi di
colori forti, suoni roboanti, luci sparate, il tutto mescolato con grandiosa
vena barocca dalla Wertmüller, che mette in scena uno spettacolo
tanto prezioso quanto efficacemente stordente: dai siparietti napoletani
ai dormitori dei prigionieri, ogni immagine è carica di una pregnanza
visiva di straordinaria efficacia e di assoluta coerenza, quasi impossibile
da tirar fuori in una così eterogenea composizione di luoghi
e storie. Eppure il miracolo accade, ed il film si regge su una sceneggiatura
capace di sbizzarrirsi in ogni direzione eppure di mantenere una solidità
narrativa ammirevole. Anche i personaggi, ognuno specchio di una metafora
assolutamente esplicita, contribuiscono a questo gioco di sovraccarico
che porta ad una comprensione diversa da quella razionale, più
interna e viscerale. Pasqualino Settebellezze è
un film che arriva alla testa dello spettatore adoperando la strada
impervia del riso più cupo, di quello di cui qualche volta ci
si vergogna. La resa grottesca del delirio organizzato è resa
al suo massimo potenziale nella folgorante scena dell’amplesso
tra lo smagrito Pasqualino e l’opulenta aguzzina tedesca, che costringe
il prigioniero all’atto sessuale a prezzo della vita. Dopo, quando
questa struggente ed insieme ridanciana tragedia visiva si sarà
consumata, le parole della matrona saranno perentorie: “Tu
fai schifo a me. Tua voglia di vivere fa schifo a me. Tuo amore fa schifo
a me. In Parigi un greco faceva l’amore con un’oca: faceva
questo per mangiare, per vivere. E tu, larva subumana mediterranea,
riesci a trovare la forza per tua erezione di maschio. Per questo rimarrete
voi, vincerete voi, piccoli vermi vitali senza ideali né idee.
E noi, i nostri sogni di un’umanità eletta… troppo
difficile…”.
Chiudiamo questo doveroso tributo ad uno dei film più sottovalutati
della storia del cinema italiano con l’altrettanto doverosa menzione
all’interpretazione di un grande Giancarlo Giannini, qui al meglio
delle sue enormi potenzialità interpretative: nel dettaglio dei
suoi occhi, che nell’ultima inquadratura del film dicono senza
più crederci “Sì, sono vivo…”,
si chiude una delle opere più affascinanti e sconcertanti della
nostra cinematografia, un baraccone deviante e disturbante come solo
i grandi lungometraggi sanno essere.
Da riscoprire, per farci i conti ancora una volta.
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